Le véritable objet, plus que la narration, semble être avant tout cet effet de merveille que produit l’effet d’ensemble de cette composition








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Artemisia Gentileschi, Judith et Holopherne, 1611/12

artemisia gentileschi, judith et holopherne (1612)

Se remarque là encore l’influence patente, évidente du Caravage : représentation du même lieu : dans une chambre, dans le lit de la tente d’Holopherne.

Elle va transformer la scène, reprendre le principe de la mise à mort mais va à la fois jouer sur la rhétorique des gestes, elle peine à mettre l’épée et elle se fait aider par la servante, membre actif qui prend part à l’acharnement, tient la tête quand elle l’égorge, renchérit sur les effets du tragique.

Traité dans un effet qui vise à surenchérir dans l’acte tragique, dans la saisie de l’instant qui dépasse la composition du Caravage, va plus loin.

Comme pour son père, on retrouve un gout pour une luminosité plus douce, scintillante, mordorée, qui vise à une recherche d’une représentation du coloris qui intègre les apports de la connaissance de la peinture vénitienne.
Suzanne et les vieillards, vers 1610, h/t, Château de Weissenstein, Pommersfelden

http://www.lepoint.fr/images/2012/07/07/622108-jpg_426638.jpg


Giovanni Baglione (Rome 1566/1643)

Peintre maniériste mais qui va un léger temps subir l’influence du Caravage.

Personnage important pour les ouvrages qu’il a écrit plus que pour ses peintures :

La nove chiese di Roma (1639)

Vitte de’ pittori, scultori et architetti
Peintre qui va s’inspira du Caravage alors qu’il le détestait

Baglione, L’amour sacré soumettant l’amour profane, Berlin, Staatlische Museen

Rappelle l’amour vainqueur :

  • réalisme de la composition,

  • clair-obscur,

  • ensemble des détails,

  • lumière qui arrive d’un projecteur.

Mais traces du maniérisme : façon d’utiliser le mouvement serpentin de l’amour sacré, trace de maniérisme académique.

Bartolomeo Manfredi (Mantoue 1582/Rome, après 1622)

Un artiste qui va gagner Rome, formé par un artiste maniériste avant de s’intéresser aux œuvres du Caravage.

Il développe à partir des années 1610 un style auquel Joachim van Sandrart, théoricien des peintres du Nord (rédacteur de la Teutsche Academie) va donner le terme de manfrediana methodus qui suivront ensuite plusieurs artistes.

Méthode qui reposait sur quelques règles simples :

  • Choix limité de sujet, privilégiant des scènes d’histoire ou des scènes de genre traitées de manière analogue

  • Un cadrage serré avec des personnages coupés à mi corps

En outre, un peintre dont le comportement et l’apparence plus distingué, raffiné, beaucoup de succès auprès des commanditaires privées : importantes commandes permettant de développer ce style

Manfredi, Le châtiment de cupidon, 1605/1610, h/t, Art Institute of Chicago, Chicago

  • Ensemble des détails,

  • intensité des gestes,

  • intensité des émotions,

  • cadrage serré,

  • fond noir 

 Influence du Caravage.

Colombe qui s’enfuit, virtuosité

Le moelleux de la chair se dirige vers une plasticité presque coulante de la carnation, un peu bouffie, gonflée qui trouvera des échos très importants dans les pays nordiques. Touches assez larges, empâtement : chair assez flasque, très important de l’évolution du Caravage et des peintres nordiques.

Bacchus et un buveur, 1600/1610, h/t, Galerie nationale d’art antique, Rome : mythologie

http://www.ac-grenoble.fr/lycee/diois/latin/archives/ico/alphabetique/web/original/manfredi%20bartolomeo%20-%20bacchus%20et%20un%20buveur.jpg

Saint Jean-Baptiste tenant un mouton, h/t, musée du Louvre, Paris

1622 reprend saint Jean-Baptiste du Caravage, 1610 : religieux

http://cartelfr.louvre.fr/pub/fr/image/34766_3497.001.jpg

Intimité, réalisme, une des principales caractéristiques du courant caravagesque.


Carlos Saraceni (Venise 1579/1620)

Influencé par les peintres caravagesques

Madone avec sainte Anne, 1610, Galleria Nazionale d’art antica, Rome

http://fr.wahooart.com/art.nsf/o/8y3h7s//carlo-saraceni-madonna-and-child-with-st-anne-2-.jpg

(rappelle le Caravage, Madone des palefreniers) http://www.franceinter.fr/sites/default/files/imagecache/scald_image_max_size/2011/08/08/122389/images/la%20madone.jpg
Opposition des couleurs, les bruns dominent, rouge, blanc

Témoigne d’une méditation très forte de l’art du Caravage.
Le martyre de sainte Cécile, h/t, 1610, Los Angeles, County Museum of Art

http://1.bp.blogspot.com/-s9unylythic/tsswzh6s05i/aaaaaaaadjq/vbherm-1r58/s1600/execution+of+st.+cecilia_la%252c+county+museum+of+art_c.1610.jpg

Rappelle l’œuvre de saint Matthieu
Le doge Enrico

 Moment qui marque l’artiste de façon rapide


Giovan Battista Caracciolo detto Battistello (Naples 1578/1635)

Libération de saint Pierre, devait faire pendant aux œuvres de la miséricorde du Caravage.

  • Reprend le coloris,

  • La rhétorique des gestes,

  • Le réalisme des passions,

  • Le réalisme des expressions



Valentin de Boulogne, dit le Valentin

(Coulommiers 1591/Rome, 1632)

A Rome entre 1613 et 1614, il est possible qu’il ait travaillé avec ou aux côtés de Manfredi.

En 1624 : il intégra la compagne, le rassemblement des peintres nordiques à Rome, ils veulent essayer de créer une communauté nordique à Rome.

Judith et Holopherne, vers 1625, h/t, National Museum of Fine Arts, La Vallette

http://idata.over-blog.com/2/72/00/88/valentin-de-boulogne/valentin-de-boulogne-judith-et-holopherne.jpg

Influence dans le choix du sujet, elle est comme en train de tuer sans y toucher, de façon innocente, comme chez le Caravage.

Grand clair-obscur etc …

Il joue moins sur un modelé précis que sur une importance accrue du SFUMATO, approche de la lumière qui à l’intérieur même du clair-obscur se désagrège.

Judith

http://www.repro-tableaux.com/kunst/valentin_de_boulogne/judith_xir154061_hi.jpg

Renvoie plus à l’influence de Gentileschi, comme adouci.

Saint Jean-Baptiste

Plus de convenance que le jeune saint Jean-Baptiste un peu lascif qui rappelait ce portrait de jeunesse du Caravage dans des attitudes un peu boudeuses.

Ici c’est une vision plus affirmée.


Nicolas Régnier (Maubeuge 1591/Venise 1667)

Artiste qui gravitera dans les mêmes commanditaires que le Caravage et ses suiveurs.

Il deviendra très apprécié.

Par la suite, il va être influencé par le courant des peintres du Caravage.

Caravagisme adouci mais il sera fidèle toute sa vie aux sujets du Caravage.

Saint Matthieu et l’ange, vers 1620/1622, h/t, John and Mable Ringling Museum of Art - Sarasota (Florida, USA)

http://www.carnetsdesante.fr/img/jpg/stmathieuange.jpg

Rappelle inspiration de saint Matthieu du Caravage, il reprend l’idée de la composition, un thème qui plaira beaucoup aux artistes nordiques.

Scène de carnaval, vers 1630, h/t, Willanov Palace Museum Varsovie

http://4.bp.blogspot.com/_dtsajqefh2s/suzm1csl9ti/aaaaaaaavim/bjo3eulrseo/s400/nicolas+r%c3%a9gnier,+sc%c3%a8ne+de+carnaval+v+1630,+varsovie,+willanow+palace+museum.jpg

Influence caravagesque et scènes de genre d’inspiration nordique, flamande dont il deviendra maître.
Ils sont une poignée d’artistes qui témoignent à quel point l’influence du Caravage fut forte, il y eut également un engouement des autres peintres : à Rome, à Naples, en Europe.

Bellori dit : « nombreux furent ceux qui imitèrent sa manière de peindre d’après nature, pour autant aucun de ces artistes n’a produit des œuvres capables d’être confondues avec celles du Caravage ».

Solitaire, il n’aura pas le rôle de formateur qu’a eu Carrache.

On sait même que des tensions existèrent entre les différents suiveurs du Caravage à Rome (Baglione contre le Caravage qui l’avait traité du plus mauvais peintre de Rome).

Gentileschi appelé à la barre avait témoigné à quel point la relation était ambigüe entre ces différents artistes.

Relations compliquées : orgueil démesuré, crises passagères, rivalités.

Le Caravage n’en donnait qu’une poignée d’artistes en estime : ceux qui savaient bien imiter la nature = le cavalier d’Arpin, Federico Zuccari, Annibal Carrache, essentiellement des peintres maniéristes et Annibal Carrache.

Pour lui les autres n’étaient pas assez forts pour être qualifiés de naturaliste (ils ne voulaient pas les qualifier comme ses suiveurs).

Très vite le courant s’épuisa à partir des années 1630 !

L’importance de l’expression des passions et la rhétorique des gestes marqueront néanmoins tout l’art du XVIIème siècle.


Les artistes émiliens :

Il s’agissait essentiellement de bolonais au départ (de Bologne), mais par la suite ils vont travailler à Rome et se développer sur la grande scène romaine.

Guido Réni (1575/1642), le Dominiquin (1581/1641), l’Albane (1578/1660) et le Guerchin (1591/1666).

Tous s’étaient formés auprès des Carrache, ils vont reprendre cette technique  universalité de la formule considérée comme le vrai beau de la nature.

« les quatre évangélistes de la peinture moderne ».

Ils vont donner naissance à ce grand courant classique qui visait à réinterpréter les formules de la Renaissance.

L’essor de courant a été favorisé par la période glorieuse de l’église catholique  plus puissante.

Le décor de la voûte de la galerie Farnèse avait initié ce retour vers l’art de Raphaël et de Michel- Ange : un retour aux sources de la grandeur romaine !

Influence classicisante
Le Dominiquin (Bologne 1581/Naples1641)

Un des principaux représentants de ce courant, il eut une réputation très grande, un de ceux qui peut apparaitre comme le plus virulent. Fils d’un cordonnier, il fait d’abord des études de lettres avant de se tourner vers la peinture, d’abord dans l’atelier de Denis Calvaert avant 1595 où il rejoint l’académie des Carrache dans l'Académie bolonaise des Incamminati.

Il va faire plusieurs voyages, il voyagera avec l’Albane à Modène, à Parme avant de rejoindre en 1602 Rome sur les traces de Guido Reni et de l’Albane.

Il est un des bolonais 1633/1634 qui restera le plus longtemps à Rome

Il sera très vite sollicité par des commanditaires : les Borghèse ou les Farnèse.

Fresques, décors de plafond et notamment :

Sainte Cécile devant le juge, fresque, Rome, 1613/1614

On retrouve cette composition en frise qui évoque le bas-relief, pour le traitement de la composition et aussi pour les ornements du tableau : socle sur lequel est posé le juge qui est un bas-relief, sculpture antique de Jupiter, créé une envie de témoigner les courants classissiques, essayer d’adapter la scène à l’esprit de ce qui était dans l’antiquité : pas de vêtements contemporains, des toges et un décorum qui s’inscrivent dans une bienséance du vérisme de l’histoire.

La composition : idée d’une composition centrée, équilibrée avec la sainte Cécile au centre avec à gauche des personnages sacrificateurs.

Le juge qui témoigne du refus de sainte Cécile de se plier aux idoles antiques, aux rites cultuels ce qui mènera à sa décapitation.

Il utilise la même manière du Caravage d’aller puiser vers les modèles de la haute Renaissance des figures emblématiques (Raphaël, sacrifice à Lystre ; Michel-Ange, le sacrifice de Noé).

Retour aux couleurs claires

Un des principaux représentants de ce courant de synthèse, il vise à renouer avec une forme d’expression de l’antique.
La dernière communion de saint Jérôme, 1614

http://www.jumblart.com/media/painting/data/302_600.jpg

S’inspire d’une œuvre (Carracci, La dernière communion de saint Jérôme)

Mais il réalise une transformation de la scène :

  • en ouvrant plus grande la percée de la voûte,

  • en diminuant la taille des personnages : plus grand décorum à la scène pour une plus grande solennité, pour mettre en relief l’eucharistie de Jérôme,

  • Mise en évidence des principaux personnages par les couleurs,

  • jeu sur les draperies pour donner plus d’impact avec la représentation de saint Jérôme.

Une solennité, une transformation de la composition qui doit servir le discours !

Une façon de renchérir sur une composition plus classicisante : estrade au centre pour élever la tête du personnage principal, noblesse de style.

Comme celui le plus apte à réaliser des immenses pala :

Martyre de sainte Agnès, 1619/1625, 5, 33 x 3,42 m

Une oeuvre a suscité beaucoup de dessins préparatoires.

Caractéristique de ces grandes palas qui marqueront l’art de l’artiste : il est capable d’intégrer tout un ensemble de personnages tout en gardant une lisibilité parfaite à la composition, sainte Agnès au centre, les figures importantes qui encadrent la composition, composition centrée, les deux registres, jeu de diagonales pour équilibrer et différencier les différentes scènes.

Expressions des passions, des couleurs (qui inspirera Nicolas Poussin).

Œuvre classicisante
Il était un peintre d’œuvres de chevalets pour des commanditaires privés aussi :

Sainte Cécile avec un ange tenant une partition, vers 1617/1618, h/t, musée du Louvre, Paris

http://www.insecula.com/photosnew/00/00/05/77/me0000057737_3.jpg

Pour le cardinal Ludovisi

Œuvres caractéristique : elle visait à essayer de limiter au plus les éléments, les personnages, clarté.

Renvoie à la sainte Cécile de Raphaël en 1514 : même visage en extase, vision de la sainte Cécile qui évoque la communication avec Dieu qui se réduit à ce visage tourné vers le ciel, à ce moment où l’âme est élevée vers le ciel.

Effet d’équilibre, de rythme très particulier qui sépare la composition : violoncelle vertical

Harmonie musicale que reflète l’ange

Œuvre qui essaye de retranscrire une certaine forme de vision, non pas celle qu’avait vu Raphaël, le concert des anges qu’elle voit, mais celle du moment de l’extase, perdue dans sa contemplation, communication, un moyen pour les fidèles de parvenir eux-mêmes à l’extase en reprenant les expressions de façon mimétique que représentait cette sainte.

Ce n’est plus un temps de l’instant, mais suspendu dans une temporalité beaucoup plus large qui sort la scène de sa réalité pour gagner une certaine forme de vérité universelle.

Le parapet rappelle les artistes nordiques.
Réalisation et composition du paysage classique à la suite de Carrache

Herminie chez les bergers, vers 1622/1625, h/t, musée du Louvre, Paris

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Il est l’inventeur avec ce tableau d’une nouvelle vision qui correspondait à une attente des commanditaires.

Passage du poème du Tasse.
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